martes, 30 de septiembre de 2014

Doce citas con fotógrafos (Septiembre-Ralph Gibson)

Ralph Gibson es un fotógrafo, compositor y guitarrista estadounidense (nacido en Los Ángeles en 1939) que desarrolla una idea teórica basada en que dos imágenes individuales, vistas una junto a otra, se combinan generando una tercera en la mente del espectador, produciendo bajo este concepto y hasta la fecha más de 25 libros fotográficos.

Hijo único de Rita Vargas y C. Carter Gibson, su padre trabajaba en Warner Bros por lo que el cine formaba parte de la vida cotidiana de la familia. Durante su juventud Ralph participó como figurante en películas de Nicholas Ray o Alfred Hitchcock, del cual era asistente su padre. Cuando en 1954 se divorciaron sus padres bajó su rendimiento escolar y abandonó la escuela. Hasta que tuvo la edad para alistarse en la marina estuvo trabajando como mecánico y el día de su cumpleaños en 1956 se alistó como voluntario. Por azar ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola (Florida), donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Otra oportunidad que le ofreció su alistamiento fue la de conocer diferentes lugares, de ese modo cuando su barco hacía escala en Nueva York frecuentaba los clubes de jazz y asistía a lecturas de poesía.

Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange, con ella estuvo trabajando durante un año y medio al mismo tiempo que desarrollaba su estilo personal. En 1961 se compró una cámara Leica de 35 mm. y descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. Al año siguiente decidió mudarse a Los Ángeles para trabajar como reportero gráfico y ya en 1963 publicó sus primeras fotos en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro titulado The Strip.

A finales de 1966 decidió trasladarse a Nueva York y se instaló en el Chelsea Hotel con sus Leicas y doscientos dólares en el bolsillo. Esta ciudad estimuló su imaginación y le pareció como un paraíso para los fotógrafos, pronto consiguió numerosos trabajos y pudo frecuentar los ambientes de los jóvenes artistas. A principios de 1967 conoció a Robert Frank, que lo contrató como asistente en la película Yo y mi hermano.

En 1968 conoce a Larry Clark y Mary Ellen Mark que influyen en su concepción de la fotografía. A partir de ese momento se alejó de fotoperiodismo y expresó un rechazo hacía la fotografía comercial. Su concepción de la fotografía cambia y se convierte en el instrumento de su introspección, sus negativos adoptan un tono surrealista y con ellos decide (pero no consigue) publicar un libro: The Somnambulist. Crea su propia editorial Lustrum Press, para mantener su independencia editorial. En 1970 realizó una tirada de 3000 ejemplares del libro The Somnambulist, cuya publicación supuso un éxito inmediato y a partir del mismo Gibson fue reclamado para exponer sus obras y dar conferencias. En 1971 realizó un viaje por Europa, lo que le permite realizar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu que publicó en 1973. En 1975 aparece el último libro de su trilogía Days at Sea.

Gibson actualmente vive en Nueva York y viaja con frecuencia a Europa y Brasil.

"Aunque fijada en el tiempo, una fotografía evoca tanto sentimiento como aquel que viene de la música o la danza. Cualquiera sea el modo - desde la instantánea al momento decisivo del montaje multimedia - la intención y el propósito de la fotografía es representar en términos visuales, sentimientos y experiencias que usualmente eluden la habilidad de las palabras para describirlas. En cualquier caso, los ojos la tienen, y la imaginación siempre se elevará más allá de lo esperado" - Ralph Gibson

Fuente: Cada día un fotógrafo.

Foto Inspiración Bea AQUÍ.


Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.


Foto de inspiración Verónica AQUÍ


Foto inspiración de Iratxe AQUÍ

peus
Foto inspiración Sara AQUÍ


Foto inspiración de Araceli AQUÍ

jueves, 28 de agosto de 2014

Doce citas con fotógrafos (Agosto-Andreas Gursky)

Este mes de Agosto nuestra cita es con Andreas Gursky.

Fotógrafo alemán (Leipzig, 1955) conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente. Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea.

Andreas Gursky nació en una familia de fotógrafos, ya que tanto su padre, Willy Gursky, como su abuelo Nazi Hans habían sido fotógrafos publicitarios. Desde muy joven se familiarizó con la fotografía comercial. Estudió Comunicación Visual en la universidad de Duisburg-Essen y al mismo tiempo cursó estudios en la Academia de Arte de Düsseldorf. Junto a los fotógrafos Axel Hütte, Jörg Sasse, Thomas Struth, Candida Höfer y Thomas Ruff pertenece al grupo de la Escuela de Becher (‘’Becher-Schüler’’), conocidos como la Escuela de Fotografía de Düsseldorf.

Sus fotografías, de gran formato y ricas en color y detalle, representan con frecuencia lugares de intercambio humano vinculados a la sociedad tardo-capitalista, espacios públicos como aeropuertos, estaciones, discotecas, edificios de bolsa, parlamentos, plantas industriales, oficinas, hoteles, supermercados, o piscinas; así como lugares donde lo humano constituye únicamente una huella anecdótica. En sus fotografías de exterior en las que retrata paisajes de montaña, cataratas y carreteras donde se aprecia la inmensidad del entorno en contraste con la pequeñez de lo humano. La repetición juega un papel muy importante en la obra de Gursky. En sus fotos aparecen a menudo acumulaciones de objetos similares que, a pesar de la complejidad evidente, mantienen un orden implícito.

Gursky incorpora a su técnica fotográfica las ventajas de los avances tecnológicos en el proceso fotográfico. La manipulación digital sirve a Gursky para crear un mundo inventado en el que, sin embargo, el espectador de sus fotografías se sabe reconocer de inmediato.
Su obra se ha puesto en relación con el discurso de la posmodernidad; realiza un agudo análisis del comportamiento social estandarizado, producto de un mundo transformado por la alta tecnología y la globalización.

Ha expuesto en instituciones de todo el mundo. Su fotografía 99 Cent II Diptychon se sitúa en el cuarto lugar en la lista de fotografías más caras vendidas de toda la historia, y su fotografía Rhein II es actualmente la foto más cara vendida de toda la historia, y por la que más dinero se ha pagado en una subasta, 4,3 millones de dólares, en 2011.

"El espacio es muy importante para mí, pero de una manera abstracta. Quizás para intentar entender no solo que estamos viviendo en cierto edificio o en un determinado lugar, sino para darnos cuenta de que estamos viviendo en un planeta que está viajando a una velocidad enorme por el universo.”
(A.Gursky)

Fuente: Wikipedia, Cada día un fotógrafo.





Iratxe este mes se inspira en general en toda la obra de Andreas Gursky.




Foto inspiración de Bea AQUÍ



Foto inspiración de Verónica AQUÍ (primera foto del enlace)



Foto inspiración de María AQUÍ



Foto inspiración de Sara AQUÍ




Sylvia se ha inspirado en una foto pero la ha adaptado a su manera AQUÍ.

jueves, 31 de julio de 2014

Doce citas con fotógrafos (Julio-Richard Avedon)


Nuestra cita este caluroso mes de julio es con Richard Avedon

Avedon nace en 1923 en Nueva York y muere en San Antonio -Texas en 2004

Fue sin duda el fotógrafo estadounidense de moda en los años 1960 y 70 por sus trabajos en revistas tan conocidas como Vogue o Life entre otras y por ser un fotógrafo comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo.

En sus trabajos elevó la fotografía de moda al rango de lo artístico, consiguiendo que las modelos abandonaran las máscaras de la indiferencia y mostraran su personalidad más profunda. Por ello sus retratos tanto de personajes conocidos como Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, pero también de gente anónima que posaron ante su cámara, se caracterizan por estar cargados de la emocionalidad que se vivía en el mom
ento a través de un método sencillo, el agotamiento anímico en largas sesiones fotográficas de hasta cuatro horas.

Su obra más importante fue titulada In the american west, donde nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos y prostitutas en paisajes al aire libre y como siempre ante un fondo blanco, consiguiendo una gran fuerza expresiva.

Pero la preocupación casi obsesiva y sutil que perpetúa en su trabajo es la del paso del tiempo, la vejez y sus tensiones como motivo fundamental de su obra.

Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud.
El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.

Os invitamos a que lo descubráis…


Fuentes: Wikipedia, Vogue.




Foto inspiración de Sylvia
AQUÍ 



Foto inspiración de Araceli AQUÍ



Foto inspiración de Bea  AQUÍ



Foto inspiración de Eva AQUÍ




Foto inspiración de María AQUÍ



Foto inspiración de Verónica AQUÍ



Foto inspiración de Sara AQUÍ



Foto inspiración de Iratxe AQUÍ

lunes, 30 de junio de 2014

Doce citas con fotógrafos (Junio-Toni Catany)

Este mes de Junio nuestra cita es con Toni Catany. 

Artista mallorquín, afincado en Barcelona en el Barrio del Raval desde 1960. Tony Catany fue autodidacta, solo realizó un pequeño curso a distancia siendo muy joven. 

Su obra está cargada de sensibilidad, armonía y melancolía. Centrándose fundamentalmente en el bodegón, el cuerpo humano desnudo y los paisajes. Su dominio de las luces y las sombras es exquisito, y la elegancia con la que trata el color es primorosa.

En el año 2001 recibió el Premio Nacional de Fotografía del Ministerio de Cultura y el Premio Nacional de Artes Plásticas (Catalunya). Según la  revista Life es uno de 100 mejores fotógrafos del mundo

Catany realizó su primera exposición individual en 1972. Después de esa vinieron más de cien individuales y otras tantas colectivas. Sus creaciones fotográficas han recorrido el mundo entero.

Experimentó a lo largo de su carrera con las más antiguas técnicas de revelado.

"Para mí la fotografía es una manera de expresar mis sentimientos, mi estado de ánimo y mis emociones. No hago fotografía para los demás sino para mí, por el puro placer de fotografiar. Si además gusta, la satisfacción se amplía"

Toni Catany


Fuentes: 
Wikipedia, El Pais. 




Foto Inspiración María: AQUÍ


Foto inspiración de Iratxe: AQUÍ


Foto inspiración de Sylvia: AQUÍ


Foto Inspiración Eva: AQUÍ


Foto Inspiración Verónica:AQUÍ



Foto Inspiración Bea: AQUÍ
cayany-jo
Foto inspiración de Sara: AQUÍ


Foto inspiración de Araceli: AQUÍ

martes, 27 de mayo de 2014

Doce citas con fotógrafos (Mayo-Isabel Muñoz)

Seguro que estabais deseando saber con qué fotógrafo nos hemos citado este mes de mayo.. Hoy es el día que se desvela el misterio... nuestra cita ha sido con ISABEL MUÑOZ.

Isabel Muñoz (Barcelona, 1951) fotógrafa española afincada en Madrid. A los veinte años, se traslada a Madrid y en 1979 decide hacer de la fotografía su profesión matriculándose en Photocentro. En 1986, realiza su primera exposición, "Toques", a la que han seguido otras muchas en varias ciudades del mundo desde hace más de veinte años. Su obra puede encontrarse en la Casa Europea de la Fotografía (MEP) en París, el New Museum of Contemporary Art, de Nueva York, el Contemporary Arts Museum de Houston o en colecciones privadas.

Sus fotografías, casi siempre en blanco y negro, son un estudio humano mostrando partes del cuerpo, imágenes de guerreros, toreros o bailarinas, usando un proceso minucioso y artesanal de revelado. Todas las fotografías son contactos de gran formato, realizados por la artista directamente del negativo, utilizando el antiguo proceso del platino. En este proceso la artista prepara el papel aplicándole, como si de pintura se tratase, una solución de platino. Más tarde los negativos, que deben tener el mismo tamaño de la fotografía final, se ponen en contacto directo con el papel preparado, para ser expuestos a la luz bajo una gran prensa de contactos. Una vez terminado este proceso, las imágenes son reveladas y lavadas a mano en grandes bandejas.

Aquí tenéis el enlace a su web: ISABEL MUÑOZ

Fuente Wiquipedia-web Isabel Muñoz




Foto inspiración de Eva AQUI
Foto inspiración de Iratxe AQUI
Foto de inspiración de Bea AQUÍ

Foto de inspiración de Verónica AQUI

Foto de inspiración de Sara AQUÍ.

Foto de inspiración de Araceli AQUÍ. pie_sylvia2_OM
Foto de inspiración de Sylvia AQUÍ.

Foto de inspiración de María AQUÍ

viernes, 2 de mayo de 2014

Doce Citas con fotógrafos: Philippe Halsman, 2ª parte: "Jumpology"

Como excepción a la cita del mes de abril y para celebrar el cumpleaños de Philippe Halsman (2 de mayo) os dejamos una entrada sorpresa. No podíamos obviar el Jumpology o Jumping style, icono del fotógrafo Philippe Halsman.

Os dejamos una muestra de algunos de sus famosos "Jumps" AQUÍ.

jumpology

lunes, 28 de abril de 2014

Doce citas con fotógrafos (Abril-Philippe Halsman)


Finales de abril y nuestra cita con el fotógrafo escogido para este mes es: Philippe Halsman.

Philippe Halsman nació el 2 de mayo en 1906 en Riga (Letonia) y murió el 25 de junio en Nueva York (Estados Unidos). Alcanzó la fama con sus retratos de celebridades y como fotógrafo de moda.

Los años que vivió en París colaboró con la revista Vogue y en cuanto empezó la Segunda Guerra Mundial se marchó a Estados Unidos donde alcanzó la fama mundial y llegó a realizar más de 100 portadas para la revista Life.

En los años 1950, Philippe Halsman fue novedoso en lo que respecta a la fotografía de retratos ya que al finalizar una sesión pedía a su modelo una última cosa, les decía "Jump!". De esta forma se inició la técnica del Jumping style o Jumpology. El modelo en cuestión, extrañado con la petición del fotógrafo estaba más pendiente de su salto que de su propia imagen. "En un salto, la máscara se cae. La persona real se hace visible", explicó Halsman en su día.

Halsman fotografió a pensadores como Albert Einstein, políticos como Richard Nixon, artistas como Marlon Brando, Audrey Hepburn, Grace Kelly, Alfred Hitchcock, Frank Sinatra, Marily, etc., sin olvidar a su buen amigo Salvador Dalí.

Podréis encontrar más información sobre Philippe Halsman en su galería, en este video con música estupenda o aquí.


Foto inspiración de Bea AQUÍ.
Foto inspiración de María AQUÍ.
Foto inspiración de Eva AQUÍ.
Foto inspiración de Verónica AQUÍ.
Foto inspiración de Ira AQUÍ.
Foto inspiración de Sylvia AQUÍ.


Foto inspirada de Araceli AQUÍ. Cita con Halsman en abril!!!!!!
Foto inspirada de Sara AQUÍ.